Bazı filmleri sevmemizin ve diğerlerine tahammül etmekte güçlük çekmemizin açık olmayan nedenleri

2024 Yazar: Malcolm Clapton | [email protected]. Son düzenleme: 2023-12-17 04:13

Atmosferi hissetmenizi sağlayan kurgu incelikleri, kamera teknikleri ve diğer püf noktaları.

Çoğu zaman, sinema tartışılırken insanlar olay örgüsü ve oyunculuk hakkında konuşurlar. Tabii ki, bunlar herhangi bir filmin önemli bileşenleridir. Ama öyle oluyor ki, aksiyon çok yavaş gelişse de gözlerinizi bir fotoğraftan alamıyorsunuz ve birçok olaya rağmen başka bir hikaye hızla sıkıcılaşıyor. Bazı yazarlar, izleyiciyi en fantastik dönüşlere inandırmayı başarırken, diğerleri oyuncaklar gibi gerçek durumları bile yaratır. Ve bazı kasetleri izlemek güzel, bazıları ise zor.

Mesele şu ki, olay örgüsü ve oyunculara ek olarak, yönetmenlerin izleyicinin aksiyonu hissetmesine ve ekranda olanlardan zevk almasına yardımcı olmak için kullandığı birçok ilginç teknik var. Bu incelikler fark edilmeyebilir bile, ancak yine de resmin algılanmasını büyük ölçüde etkiler.

renk tayfı

Dikkat edilmesi gereken ilk şey, filmlerdeki renklerin çoğu zaman gerçek hayattakiyle aynı olmadığıdır. Oldukça açık olabilir (örneğin, resim siyah beyazsa) veya hemen fark etmezsiniz. Ama bu tesadüf değil.

Bir atmosfer yaratmak

Renklerin yardımıyla, olup bitenlerin atmosferini daha iyi aktarabilir, izleyici için bir ruh hali yaratabilir ve hatta karakterlerin duygularını gösterebilirsiniz.

Örnek olarak popüler X-Men serisini alın. Ana film serilerinde, parlak ve zengin resim çizgi romanları andırıyor. Ve onların aksine, kahramanın yaşlılığı ve yorgunluğundan bahsettikleri noir "Logan" da daha soluk tonlar seçilir.

"X-Men: Apocalypse" filminden çekildi

"Logan" filminden çekildi

"Mad Max: Fury Road" filminde aksiyonun çoğu sıcak bir çöl bölgesinde geçiyor. Resmin, kavurucu güneşi ve kuruluğu hissettiren sarı-turuncu tonlarında çekilmiş olması mantıklı.

Netlik için bir çerçeve alabilir ve renk düzenini değiştirebilirsiniz. Hemen soğumuş gibi görünecek.

"Mad Max: Fury Road" filminden çekildi

Aynı çerçeve, ancak soğuk renklerde

Zıt bir resim yaratmak için, modern gişe rekorları kıran filmler ve genel olarak kitle sineması daha mavi ve turuncu yapılır.

Ancak ünlü Wes Anderson, yumuşak pembemsi bir paleti sever. İzleyiciye eski bir romantik film hissi veriyor. Ve olan her şey daha sakin ve daha kolay algılanır.

Geleceğin ve fantazinin bir atmosferini yaratmak istediklerinde, genellikle mavi aralığa da yönelirler. Ve özellikle, izleyicinin kafasında siberpunk ve teknoloji ile sıkı sıkıya bağlı olan neon renkleri severler.

Söylemeye gerek yok, korku film yapımcıları koyu renkleri tercih ediyor. Bunun birkaç nedeni var. Tabii ki, bu kısmen atmosferi pompalamanın bir yolu. Birçok insan zaten karanlıktan korkar ve korku filmlerinde içinde saklanan canavarlar da vardır.

Ek olarak, karanlık bir resim, grafiklerin veya makyajın kusurlarını hafifçe gizlemenize ve üretimden tasarruf etmenize olanak tanır. Doğru, bunda bir tehlike var: çerçeveyi çok fazla karartırsanız, izleyici ekranda, özellikle de kötü bir sinemada veya eski bir TV'de neler olduğunu göremeyebilir. Örneğin 2018 yapımı Slenderman filminde durum böyleydi.

Her ne kadar bazı orijinal yönetmenler aksine oynayabilir. Örneğin, "Gündönümü"nde Ari Astaire bir korku filminin tipik atmosferini gösterdi: kahramanlar kendilerini korkunç şeylerin olduğu izole bir köyde bulurlar.

Ama aynı zamanda, resim çok parlak, içinde neredeyse hiç karanlık sahne yok ve kahramanların kıyafetleri kar beyazı. Ve bu onu daha da korkutucu kılıyor çünkü korkudan saklanacak hiçbir yer yok.

Arsa Parçalarını Ayırma

Bir filmde birkaç farklı renk filtresi olabilir. Hikayeleri daha net bir şekilde ayırmak için kullanılırlar. Ve doğru yetenekle, bu yaklaşım resmin aydınlanmasına yardımcı olur.

Matrix harika bir örnek. Bu kasetin logosu, insanların yaşadığı programı gösteren yeşil kod sembolleriyle yapılmıştır. Bu yüzden sanal dünyada olan her şey yeşilimsi bir filtreyle filme alındı. Ve gerçek olaylar mavi renkle gösterilir.

"The Matrix" filminden bir sahne, sanal dünyada aksiyon

"The Matrix" filminden bir sahne, gerçek hayatta aksiyon

Ve ancak üçüncü bölümün en sonunda, insanlar ve makineler bir barış anlaşmasına girdiğinde, çerçevede aynı anda saf mavi ve yeşil renkler ortaya çıkıyor.

Christopher Nolan'ın Başlangıcı'nda karakterler gerçek dünyadan uyumaya, sonra uyku içinde uyumaya geçerler ve bu böyle devam eder. "Katmanları" daha net bir şekilde ayırmak için yönetmen, her biri için kendi renk şemasını seçti.

İlk rüya olan "Inception" filminden çekildi

"Başlangıç" filminden çekildi, ikinci rüya

"Başlangıç" filminden çekildi, üçüncü rüya

İlk uyku seviyesinde, her şey mavi bir palette çekilir, ikincisi sarı, üçüncüsü beyazdır. Ve sadece son rüyada, gerçek dünyada olduğu gibi tüm gölgeler tekrar bir araya gelir.

Denis Villeneuve imzalı Blade Runner 2049'da farklı renkler kahramanın hem konumunu hem de iç durumunu yansıtıyordu.

"Blade Runner 2049" filminden çekildi

"Blade Runner 2049" filminden çekildi

"Blade Runner 2049" filminden çekildi

"Blade Runner 2049" filminden çekildi

Her şey Ryan Gosling'in sisin içinde dolaşan karakteriyle başlıyor, ardından sıcak turuncu bir çöl, neon fütürizm ve bir gece selinden geçiyor. Ve hikaye, sakinliği ve arınmayı yansıtan kar beyazı bir arka plan üzerinde sona eriyor.

renk reddi

Bir zamanlar tüm filmler siyah beyazdı. Başka türlü nasıl çekileceğini bilmiyorlardı ve çerçeveleri sadece elle renklendirmek mümkündü. Sonra renkli filmler geldi ve sinematografi çok daha gerçekçi hale geldi.

Ancak aynı zamanda siyah beyaz fotoğrafçılık tamamen geçmişte kalmış bir şey değil. Hala sanatsal amaçlar için kullanılıyorlar. Örneğin, farklı dünyaları veya hikayeleri betimlemek için.

Böylece, 1939'daki "Oz Büyücüsü"nde Dolly peri dünyasına girdiğinde renk ortaya çıkıyor.

"Oz Büyücüsü" filminden bir kare, sıradan dünya

"Oz Büyücüsü" filminden bir kare, periler diyarı

Andrei Tarkovsky'nin "Stalker"ında, kahramanların sıradan yaşamında renkler de yoktur. Ve karakterler mistik "Bölge" ye girdiğinde, dünya aydınlanır - burada insanlar kendilerini gerçekten ortaya çıkarır.

Ya da "Hatırla" kasetindeki aynı Christopher Nolan, eylemin bir bölümünü doğrudan sırayla ve ikincisi - tam tersini gösterdi. Bu nedenle filmin yarısı renkli, diğeri siyah beyaz olarak çekilmiştir.

Hala "Hatırla" filminden, doğrudan sipariş

Hala "Hatırla" filminden, ters sırada

Ayrıca, siyah beyaz bir resim, belirli ayrıntıları yalnızca renk ekleyerek daha canlı bir şekilde vurgulamanıza olanak tanır. Sergei Eisenstein ilk kez 1925 Potemkin Zırhlısı'nda bayrağı elle boyadığında bunu yaptı.

Daha sonra, bu teknik tamamen farklı türlerde kullanıldı. Steven Spielberg'in Schindler'in Listesi'nde kırmızı ceketli bir kızın ortaya çıkması en duygusal anlardan biri haline geliyor.

Ve çizgi roman filmi Sin City'de bile, bu yaklaşım kırmızı ruj, parlak gözler veya kan vurgulanarak tekrar tekrar kullanılır.

Çerçeve yapımı

üçte bir kuralı

Hem filmin hem de fotoğrafçılığın temel ilkelerinden biri. Bu, "altın oranın" basitleştirilmiş bir kuralı gibi bir şeydir.

Çok basit: çekim yaparken ekran dikey ve yatay olarak üç bölüme ayrılır. Arsa için en önemli unsurlar bu çizgiler üzerinde ve bunların kesişme noktalarında bulunmalıdır. Bu, izleyicinin istenen noktalara odaklanmasını kolaylaştıracaktır.

Bir kareye yerleştirin

Çerçeveyi şartlı olarak yarıya veya dört eşit parçaya bölerseniz, izleyicinin karakterin hikayede hangi yeri işgal ettiğini kelimeler olmadan anlamasını sağlayabilirsiniz.

Bu teknik en açık şekilde Nicholas Winding Refn'in "Drive" filminde görülmektedir. Örneğin, sol üst köşede ana karakterin yüzü gösteriliyorsa ve sonraki karede aynı yerde başka bir karakter beliriyorsa, bu karakterlerin rakip olacağına dair bir ipucudur.

Ek olarak, aynı Refn paralel olarak iki hikaye anlatabilir: ekranın üst ve alt kısımlarında veya sol ve sağ yarılarda. İzleyici bu hareketi fark etmeyebilir, ancak yine de karakterlerin algısı daha eksiksiz olacaktır. Ayrıca sadece güzel.

Simetri

Aynı zamanda başka bir psikolojik ve estetik teknik. Çoğu zaman, sol yarının sağ yarıyı yansıttığı çekimler sadece güzellik için yapılır.

Ancak bazen karakterlerin muhalefetini aktarırlar. Ve eğer kahraman aynaya bakarsa, karanlık tarafını veya rüya ile gerçek arasındaki farkı gösterecektir. Kısacası, yansımalar için düşünülebilecek herhangi bir alegori.

"2001: A Space Odyssey" filminden bir kare

"The Shining" filminden çekildi

"Joker" filminden bir kare.

Hollanda köşesi

Kahramanın kararsızlığını, bir şey hakkındaki şüphelerini veya hafıza problemlerini göstermek için çok görsel bir teknik kullanıyorlar. "Hollanda açısı", kameranın düz değil, eğik çekim yaptığı anlamına gelir. Bu yaklaşımın birçok örneği Danny Boyle'un filmlerinde bulunabilir.

İzleyicinin resme bir açıdan bakması alışılmadık bir durumdur, bu nedenle karakterin rahatsız edici durumunu daha iyi algılar.

Ancak buradaki ölçüye uymak önemlidir. Örneğin, felaket filmi "Battlefield: Earth" tamamen bir açıyla çekildi. Ancak bir buçuk saat içinde izleyicinin büyük ihtimalle sadece boynu ağrıyacaktır.

Aşağıdan ve yukarıdan çekim

Kahramanların kendi duygularını aktarmanıza izin veren basit ama etkili tekniklerden bir diğeri. Böylece örneğin, durumun efendisinin kim olduğunu gösterebilirsiniz. Sonra hemen Quentin Tarantino'nun, karakterlerin bagaja baktığı kasetleri hatırlıyorum.

"Alacakaranlıktan Şafağa Kadar" filminden çekildi

"Rezervuar Köpekleri" filminden çekildi

Ve yukarıdan ateş etmek, kahramanın kendini güvensiz hissettiğini hissettiriyor. Kamil Larin karakterinin bir çocuk gibi pahalı bir restoranda kapıcıya bahaneler uydurduğu "Erkekler Ne Konuşur" filmindeki ünlü sahnede oynadıkları komik:

Diyalog ve hareket

Arka plan eylemi

En çok komedi veya korku türünde kullanılan bir teknik. Ön planda ilginç bir şey olmuyor. Ve en önemlileri, karartılabilen veya bulanıklaştırılabilen arka plana karşı ortaya çıkıyor.

Örneğin, "Zombie Called Sean" filminin kahramanı mağazaya gider. Onun için her şey çok sıradan. Ve arka planda gerçek bir kıyamet var:

Türe ve sunuma bağlı olarak, bu ya çok komik bir etki ya da gerilim yaratabilir - bu nedenle genellikle korku filmlerinde ana çığlıklar gizlenir.

Hareket halindeki konuşmalar

Filmlerdeki en yaygın diyalog türü karakterlerin oturup sohbet etmesidir. Bu durumda, kamera geleneksel olarak yüzler arasında geçiş yapar.

Ancak sahne çok uzun sürerse, izleyici aynı açıların sürekli tekrarından bıkar. Bu nedenle, iyi yönetmenler bu tür sahnelerin ayarını ya tamamlar ya da değiştirir.

Yani Quentin Tarantino'nun filmlerinde karakterler neredeyse sürekli konuşur. Ancak usta sıkılmanıza izin vermiyor, çünkü sürüş sırasında diyaloglar gerçekleşebiliyor. Arka planın sürekli değişmesi nedeniyle, eylem monoton görünmüyor.

Ve karakterler aynı odada olsalar bile kamera öyle değişmiyor. Etraflarında hareket edebilir, varlık etkisi yaratabilir ve hatta sohbete katılım sağlayabilir. Gereksiz düzenleme yapılmadan hemen hemen tüm karakterler görülebilir.

Nicholas Winding Refn, daha önce bahsedilen oyunu basit bir sohbette renk ve yansıma ile kullanmayı başarıyor. Drive'da, kahramanların ilk diyaloğu çok basit görünüyor.

Ama aynı zamanda, Ryan Gosling'in karakteri her zaman mavi bir arka plan üzerindedir (bu renk şeması ona film boyunca eşlik eder). Ve kahraman Carey Mulligan turuncu duvarlarda duruyor. Bu da yakın olmalarına rağmen bir şeyin onları ayırdığını gösterir.

180 derece kuralı

Çekimler sırasında önemli bir nokta daha var. Açı değiştirirken kamerayı 180 dereceden fazla hareket ettirirseniz izleyicinin kafası karışacaktır. Örneğin kahraman koşarken arkasını dönmüş ve ters yönde hareket ediyormuş gibi görünecektir.

Ve bu, diyaloglar sırasında bile eşit derecede önemlidir. Operatör ve yönetmen, çerçevedeki herkesin aniden hareket ettiği izlenimini yaratmamak için kameranın ötesine geçmemesi gereken belirli bir çizgiyi seçer.

Bu kuralın kasıtlı olarak ihlal edilmesinin sadece izleyiciyi şaşırtmak, kahramanın kafa karışıklığını göstermek için kullanılabilmesi ilginçtir. Ve gerekli hayal gücü ile yazarlar daha sıra dışı sahneler yaratırlar. Örneğin Gollum'un kendisiyle konuşması. Karakter basitçe farklı yönlerden gösterilir, ancak bu iki konuşmacı olduğu ve diyalog içinde olduğu etkisini yaratır.

Kurulum özellikleri

Kurgu, filmin aksiyonunu daha dinamik hale getirmenize, hayatın sıkıcı anlarını "atlamanıza" ve neler olup bittiğine farklı bakış açılarından bakmanıza olanak tanır. En basit şekli anlatıdır. Yani çerçevedeki olaylar birbiri ardına gerçekleşir. Bu en açık şekilde Boulevard des Capucines'ten Adam'da açıklanmıştır.

Ama filmdeki olayları farklı bir şekilde gösterebilirsiniz ve bunun için farklı teknikler kullanırlar.

paralel kurulum

Sıralı hikaye anlatımının aksine, bazen yazarlar izleyicinin aynı anda farklı yerlerde neler olduğunu görmesini ister. Ardından yönetmenler paralel kurguya yöneliyor.

Bu, arsa daha olaylı hale getirir. Ama dikkatli olmalısın. Sonuçta aynı anda geçen sahneleri sırayla gösterirseniz, her birinin daha uzun sürdüğü izlenimini edinebilirsiniz.

Başarısız paralel düzenlemenin çarpıcı bir örneği "Öfkeli-6"dır. Kahramanlar, pist boyunca giden bir uçakta kaçmaya çalışıyor, arabalar onları kovalıyor ve geminin içinde bir kavga yaşanıyor.

Yazarlar aynı anda o kadar çok olay gösteriyor ki, ekranda uçak en az 15 dakika hızlanıyor gibi görünüyor. Söylemeye gerek yok, bu durumun tüm gerçekçiliğini öldürüyor mu?

Öte yandan Christopher Nolan, yaygın olarak paralel kurgu ustası olarak kabul ediliyor. Yönetmen pek çok çalışmasında kullanır ama Başlangıç en iyi örnektir. Farklı uyku seviyelerindeki olaylar aynı anda ve farklı hızlarda meydana gelir (daha derin uykuda zaman daha yavaş akar).

Burada, daha önce bahsedilen renk ayrımı aksiyona eklenir ve izleyici ne olup bittiği konusunda kafa karışıklığı yaşamaz, ancak olayların tüm küreselliğini fark eder.

Bu arada, "Dunkirk" filminde Nolan'ın bu teknikle daha da esprili olması ilginç. Yerde, suda ve havada meydana gelen olayları paralel olarak gösterir. Aslında, kronoloji tamamen farklıdır ve her şey sadece finalde birleşir.

Flashback'ler ve Flash Forward

Bazen yazarlar geçmişten anılarını - geri dönüşleri - kahramanların doğrusal hikayesine gömüyorlar. Bunlar, birkaç saniyelik çok kısa flaşlar veya tüm hikayeler olabilir.

Bu tür anların büyük bir hayranı Jean-Marc Vallee'dir. Böylece sakin görünen sahnelere gerilim katıyor. Ya da karakterin birini aldattığını açıkça ortaya koyuyor: Bir şey söylüyor ama hafızasında tamamen farklı bir şey beliriyor.

Flashforward'ların aynı hikayeler olduğunu tahmin etmek zor değil, gelecekten. Genellikle bilim kurgu veya mistik hikayelerde daha az kullanılırlar. Böyle bir teknik üzerine, belirli bir tutulma sırasında her insanın geleceğinden bir an gördüğü bir dizi bile inşa ettiler.

Ve arsa boyunca, herkes olanların nedenlerini bulmaya ve vizyonlarının anlamını anlamaya çalışıyor. Dizi şöyle adlandırıldı: Flashforward (Rusça çeviride - "Ne olacağını hatırla"). Doğru, sadece bir sezon sürdü.

atlama

Bu teknik, doğrusal düzenleme için zaten geçerlidir. Çerçeveler arasında keskin bir geçiş anlamına gelir. Tamamen farklı amaçlar için kullanıyorlar.

Frank Oz'un Küçük Korku Dükkanı'nda bu tür bir montaj, zamanın uzun ve sıkıcı geçişini göstermeye yardımcı olur.

Ancak işlerinde atlamalı kesmeyi de sıklıkla kullanan Lars von Trier, karakterlerin duygusal stresini ve psikolojik dengesizliğini bu şekilde aktarıyor. Bu şekilde çekim yapmak resmi daha "gergin" hale getiriyor. "Aptallar" kasetinde bu çok uygundur:

Şekil ve seste düzenleme

Filmde gösterilen farklı olayların birbirinin devamı olarak algılanabilmesi için yazarlar genellikle görsel tesadüflere başvururlar. Yani, bir çerçevedeki bazı nesnelerin ana hatları bir sonrakinde tekrarlanır. Ve bazen çok esprili görünebilir.

Aynı şekilde, izleyiciyi sesle "bağlayabilirsiniz". Çığlık, vapurun düdüğüyle devam eder ve endüstriyel gürültünün yerini aynı tempodaki müzik alır. Ya da hasarlı bir borunun tıslaması, kavrulmuş et çıtırtısına dönüşür.

Ayrıca, ses ekranda gösterilenin biraz ilerisinde veya gerisinde olabilir. Bu, sahneleri daha bağlantılı hale getirmek için yapılır. Yani, izleyici hala önceki kareden gelen konuşmaları ve hışırtıları duyar, ancak eylem zaten değişmiştir. Ya da tam tersi.

Kurulum eksikliği

Bu cesur bir hamledir: Yönetmenler uzun sahneleri hiç düzenleme yapmadan çekerler veya çeşitli şekillerde saklarlar.

Bu, ekranda olanları daha gerçekçi kılar, izleyiciye hikayenin hızı hakkında bir fikir verir. Ama elbette bu yaklaşım çok daha fazla prova ve yatırım gerektiriyor. Sonuçta, işleme sırasında başarısız küçük şeyleri kesebilirsiniz.

Böylece, "Kefaret" filmindeki Joe Wright, İkinci Dünya Savaşı sırasında birliklerin Dunkirk'ten tahliyesiyle beş dakikalık bir sahne gösterdi. Kalabalık sahneye 1.300 kişi karıştı, ekipman çerçeve içinde hareket etti ve arka planda patlamalar meydana geldi. Olanların tüm kasvetini ve kaosunu ileten bu yaklaşımdır.

Modern teknolojiler, kurulumun daha doğru bir şekilde yapılmasını mümkün kılar. Ve Alejandro Gonzalez Iñarrit'in Birdman'i çekmesine yardımcı oldu. İçinde, tüm eylemin tek bir sürekli karede gösterildiğini hemen fark etmiyorsunuz bile.

Aslında montaj orada ama gizli. Eklemeler, kamera bazı karanlık elementlerden geçtiğinde yapılır.

Ve Alexander Sokurov'un "Rus Gemisi" daha da güçlü görünüyor. Eylem Hermitage'da gerçekleşir ve yönetmene çekim için bir gün verildi. Bu nedenle resmi yapıştırmadan çekmeye karar verdi.

800 ekstra ile yedi aylık provalar aldı. Sonuç olarak, üçüncü çekimden itibaren 1 saat 27 dakika süren bir film çektiler.

Aslında, bunun gibi çok daha fazla incelik var. Ancak birçoğu zaten derin bir yönetmenlik ve sinematografi bilgisi gerektiriyor. Bunlar birçok filmde görülebilecek basit örneklerdir. Ve bir sonraki resme bakarken, kesinlikle "Hollanda köşesi" veya düzenleme yapmadan uzun bir kare sizi şaşırtacak. Ancak bu, sinemanın büyüsünü yok etmeyecek, tam tersine izlemeyi daha da ilginç hale getirecektir.